L’exposition Urbain de Paname présente plus de 30 artistes – Banksy, OBEY, Kaws ou encore Invader – et met à l’honneur le mouvement artistique le plus représentatif de notre société actuelle. À découvrir à l’ancienne patinoire de Saint-Ouen à partir du vendredi 18 novembre.
Paris, 28 octobre 2022 - Pour sa première édition, Urbain de Paname regroupe une trentaine d’artistes français et internationaux : des confirmés bien connus du grand public, tels que Kaws, Invader, OBEY ou encore Banksy, mais aussi des artistes émergents comme Enfant Précoce, Clément Poplineau, Nathanael Koffi, Kid Pier, tous s’inspirant de la ville et de sa faune.
Cette exposition permet de mettre en avant les passerelles naturelles entre l’art contemporain et l’art urbain, de l’art éphémère à celui qui s’inscrit dans l’histoire.
Organisée par Fever, la plateforme leader pour la découverte d’expériences, en partenariat avec l’Atelier de Paname, organisateur de la Biennale de Paname, Urbain de Paname s’inscrit dans une lignée d’évènements contemporains incontournables et marquants.
Entre workshops d’artistes, showcases et Dj sets exclusifs, Urbain de Paname est bien plus qu’une exposition mais un espace de vie urbain à part entière.
L’envie première de cette exposition est d’élargir le prisme de l’art urbain. Les artistes ont toujours su évoluer et passer de la rue au musée. Aujourd’hui, les artistes contemporains se nourrissent pour la plupart de leur environnement.Salomé Partouche, Gérant de l’Atelier de Paname
Véritable terrain d’expression, ce mouvement a pris de l’ampleur en France durant ces dernières décennies et s’affiche désormais partout. Le street art, ou art urbain, est un mouvement artistique contemporain et un mode d’expression artistique né dans les années 60 aux Etats-Unis dans la ville de Philadelphie. Darryl McCray, un habitant de la ville mieux connu sous son nom de tag Cornbread, commence à écrire son nom sur les murs pour attirer le regard de celle qu’il aime : « Cornbread Loves Cynthia ». Il est largement considéré comme le premier graffeur moderne au monde. Il est par la suite imité par de nombreux autres citadins. À la fin des années 60, la pratique se diffuse et atteint New York, dans un contexte de densification des transports urbains et de bétonisation des villes, mêlé à l’apparition des banlieues et l’omniprésence de la publicité. Peu à peu, le street art se diffuse dans le monde entier et de nouveaux modes d’expression urbains apparaissent, comme le pochoir ou le sticker.
Comme son nom l’indique, ce mouvement regroupe toutes les formes d’art réalisées dans la rue et les espaces publics. Diverses techniques sont englobées dans le street art : graffitis, mosaïques, installations...
Aujourd’hui, beaucoup d’artistes allient œuvres de rue et œuvres réalisées en atelier exposées dans les plus grandes galeries d’art contemporain. La rue devient ainsi un véritable tremplin pour accéder à la reconnaissance.
Ce ne sont pas moins de 30 artistes exposés qui mettent en lumière le street-art. C’est un véritable rendez-vous avec le public et une interaction culturelle que propose Urbain de Paname permettant à chacun de s’immerger dans l’univers des artistes présents.
Banksy est un artiste d'art urbain qui travaille sous pseudonyme. Son véritable nom et son identité exacte sont inconnus et font toujours l'objet de spéculations. Apparemment britannique et actif depuis les années 1990, il utilise la peinture au pochoir pour faire passer ses messages, qui mêlent souvent politique, humour et poésie. Ses œuvres sont des images humoristiques, parfois combinées à des slogans. Le message est généralement anarchiste, antimilitariste, anticapitaliste ou antisystème et ses personnages sont souvent des rats, des singes, des policiers, des soldats, des enfants, des personnes célèbres ou des personnes âgées.
Frank Shepard Fairey ou Shepard Fairey, également connu sous le pseudonyme Obey, est un street artiste américain, sérigraphiste, muraliste et illustrateur né le 15 février 1970 à Charleston en Caroline du Sud. Issu de la scène du skateboard, il s'est d'abord fait connaître par les autocollants André the Giant Has a Posse, qui ont donné la campagne Obey Giant. En utilisant le slogan The Medium is the Message emprunté à Marshall McLuhan, Fairey est devenu l'un des artistes les plus connus des années 2000.
De son vrai nom Brian Donnelly, Kaws est un artiste new yorkais né en 1974 à Jersey City. Issu de la scène graffiti, il concilie les références aux icônes de la culture pop (les Simpson, les Schtroumpfs, Bob l'éponge), l'énergie frontale des peintres urbains (yeux en croix, crâne de pirate) et des moyens de production à grande échelle typiques du pop art. Ses personnages emblématiques (Chum, Accomplice, Companion) sont déclinés sous forme de jouets, de tee-shirts, de sérigraphies ou d'œuvres originales.
Invader est un artiste de rue et mosaïste français, né en France en 1969. Il installe depuis 1996 une série de Space Invaders, réalisés en mosaïques, sur les murs de grandes métropoles internationales. Sa démarche artistique — L’invasion — a commencé le jour où Invader a posé le premier Space Invader dans une rue de Paris, près de la place de la Bastille en 1996. Cette œuvre, maintenant recouverte d'une couche d'enduit, est pour l'artiste devenue un Space Invader fossilisé, pris dans les sédiments de la ville.
Né à Nice, Nicolas Bianco est un artiste autodidacte. Attiré par les volumes, il s’oriente vers la sculpture comme moyen d’expression privilégié. Il s’intéresse avant tout aux symboles et icônes de la culture populaire et de la street culture qui ont bercé son enfance et son adolescence. Nicolas Bianco donne forme à ses souvenirs dans des sculptures en marbre qui font revivre les années passées.
Tournée vers la pratique de la peinture et de la fresque murale, Marine Bonamy réalise des œuvres sur des supports variés en passant de la toile à des œuvres in situ, ou encore de la peinture sur textile au dessin digital. Elle réalise des fresques murales en intérieur et extérieur notamment en France, Suisse et Canada.
Attiré par les murs qui le séduisent et l’interrogent, il a retranscrit au gré de ses voyages, par-delà des tableaux, l’âme et les ambiances des murs de chaque ville qu’il tatoue à la manière de Jean Cocteau.
Explorateur du monde et des mondes dans leurs multiplicités, il ne se contente pas de travailler les matériaux, les mouvements ou le rythme et continue, dans un geste sans cesse renouvelé, de mêler peinture, dessin et sculpture.
Artiste peintre international diplômé des Beaux-Arts de Florence, il apporte aux techniques traditionnelles de peinture une touche de modernité inspirée du Pop-Art et de l’art urbain. Ironique et parfois cynique, il puise son inspiration toujours avec passion et pour l’amour du Beau.
Artiste qui modifie la perception de l'espace public par son exploration de la couleur, il utilise les structures urbaines comme la toile, réagit avec les dégradés de couleurs, suit la forme des lieux et subvertit ces structures pour créer des espaces immersifs de couleurs.
Pratiquant le dessin de manière figurative, au feutre, crayon de couleur et à l’aquarelle, Martin Ferniot compose ses dessins de hachures et/ou de couleurs verticales qui dévoilent et superposent des personnages aux allures transparentes. Ils sont les acteurs d’un monde en agitation où ils semblent pourtant s’effacer, s’éteindre.
Revisitant les chefs d’œuvre du mouvement Pop Art et retranscrivant l’énergie urbaine sur ses toiles, Loïc de Floch, de son nom d’artiste Fenx, introduit des points de réflexions sur la société grâce à des phrases cachées, des dessins clins d’œil ou encore des indices contenus dans les titres des créations.
Louis Granet fonde sa pratique artistique sur les liens entre bande dessinée et peinture. L’artiste développe les techniques et les codes appris des « comics » pour les appliquer sur plusieurs supports. Signes, lignes et formes représentent le point de départ de sa recherche esthétique. Les diverses formes et matériaux employés, ainsi que les différentes perspectives, créent sur la surface des tableaux des compositions en plusieurs strates qui suggèrent des clés de lecture multiples.
S’amusant de la culture populaire qu’il chérit et décrypte au travers de son travail, Jean-Samuel Halifi travaille différents supports et s’intéresse principalement à la sculpture et à la peinture. Tantôt jouets à taille d’Homme tantôt humains minuscules, ses œuvres questionnent les normes sociales.
Jojo pose un regard sur le monde qui l’entoure et qui nous entoure. Derrière un univers coloré et bouillonnant, ses tableaux ne jugent pas. C’est un voyage onirique qui nous est proposé, le monde graphique et psychédélique de Jojo nous questionne.
Dans un style innovant qui surpasse les lois dictées par le graffiti, ses pièces abordent son « freestyle » sans mot d’ordre qui ne lui pose aucune limite. Dans ses peintures graffiti, l'espace est entièrement utilisé, le blanc n'existe pas. La couleur apparaît comme la charge vitale de John, sa palette est riche et vive, les tonalités et les contrastes révèlent des jeux de nuances subtils, où dans une composition harmonieuse qui paraît aussi spontanée que mesurée, les formes se nouent et se dénouent, ondulent ou se font droites.
Inspiré par l’univers du hip-hop, il parcourt à ses débuts des lieux désaffectés (parkings, voies ferrées…), et y multiplie les graffitis. Il crée d’étonnantes fresques et tableaux en mêlant graphisme et pixels.
Aimant toucher à différents supports et détourner certains objets du quotidien pour sublimer le monde autour de lui, Nathanaël Koffi contrebalance la précision et la rigueur inhérentes à la réalisation de ses œuvres avec la partie intuitive de son travail. Dans une démarche de travail très abstraite, il joue sur les variations de couleurs et de motifs. Son travail se fait librement, sans croquis, ni préparation en amont. La composition de la couleur est libre, presque sauvage.
Diplômé de l’école Boulle, après une vie professionnelle dans l’artisanat et l’industrie, il est maintenant artiste plasticien, diplômé de l’école des Beaux-Arts de Paris en 2020. Il est également cofondateur de l’espace « La Volonté 93 » aux côtés notamment d’Alexander Raczka, Antwan Horfee et Johan Papaconstantino.
Artiste novateur dans le domaine de l’art interactif, Tom Lellouche est plasticien, scénographe et cinéaste chevronné qui se spécialise dans les sculptures interactives dans l’espace méticuleusement réalisées à partir de matières organiques.
Du tout petit format papier à la fresque géante, son travail a longtemps été nomade, spontané, résultat d’une hybridation façonnée au cours de longues résidences en différents endroits d’Amérique du Sud. Un univers surréaliste de personnages aux attitudes joueuses, en mouvement ou figés, seuls ou accumulés, en action ou méditant, mille interfaces de nous-mêmes.
De dessins en sculptures et par l’intelligence de la main, un terme qui lui est cher, Damien Moulierac donne corps à son œuvre. Il transforme la matière et change son rapport cyclique à la nature. Il rend le périssable et le consommable solide afin qu’il garde son aspect dans le temps tout en conservant sa soumission à l’oxydation.
Jeune créateur au croisement de l’art et du design, il réalise dans son atelier bruxellois des tapis en laine tuftés qu’il conçoit à la manière de tableaux. Les thèmes varient au gré de son inspiration ou des collaborations : géométries, paysages, architectures, graphismes originaux…
La couleur est un élément essentiel dans le travail d’Émile qui lui permet d’exprimer les fascinations et les inquiétudes qui le traversent. L’utilisation de pigments fluorescents rendent sa peinture difficilement reproductible, on ne peut profiter pleinement qu’en se trouvant face à elle. Les images qu’Émile Orange choisit de faire figurer dans ses tableaux sont directement liées à son environnement, à son quotidien mais aussi à cet ancrage artistique.
Artiste plasticienne, son approche du travail est pluridisciplinaire, elle navigue et travaille entre la sculpture, la peinture et la vidéo. Sa réflexion s’axe principalement autour de l’idée de l’étrangeté, du corps, du supposé moche, et des discours qu’ils incombent.
Dans la pure tradition de l’assemblage, ses œuvres interrogent la manière dont les choses de l’ordinaire, une fois revisitées, se découvrent plus comme un récit que comme une image. Un monde dans lequel les choses ont subi une métamorphose tant formelle que philosophique créant des œuvres ambivalentes, aussi bien mentales que visuelles.
En confrontant des symboles de la culture du XXIème siècle à l’art ancestral de la mosaïque, Kid Pier exprime la notion de témoignage, concept central et partagé dans l’ensemble de ses œuvres.
Avec une partie de son style pictural issue de la peinture classique et des portraits de la noblesse de l’époque, et un langage visuel qu’il applique à une culture liée à la rue et à ses codes, Clément Poplineau ne fait pas que peindre et sculpter en transposant des codes d’une époque à une autre. Sa pratique prend forme autour de notions très actuelles d’oppression, de pouvoir, de révolte et de luttes de classes mais aussi d’éducation à l’art.
Exclu de l’école de Londres en raison de ses premières expériences dans le graffiti, Lucas Price (Cyclops) s’installe à Manchester et plonge dans une existence marginale marquée par la dépendance. Émergeant dix ans après avoir fait de la prison, il s’est retrouvé stimulé par le réseau croissant de street art et a fondé le crew de Burning Candy à Londres.
Artiste active dans le mouvement international de l’Art Urbain, elle pratique depuis les années 90 le graffiti. Grâce au design graphique et à l’art de la customisation d’objets, elle a été amenée à collaborer avec des marques de grande renommée. Peintre, muraliste, plasticienne, depuis 2013, elle développe l’art géométrique multicolore dans lequel elle compose des visuels entre abstraction et figuration, où chacun peut laisser voguer son imagination.
Caractérisé par l’unicité de son style, Tanc a grandi avec le graffiti et a déjà exposé à travers le monde. Il considère que l’art de la rue est éphémère et que l’action est plus importante que le résultat. Pour lui, « artiste est un mode de vie », l’investissement doit donc être total et l’intégrité absolue.
Ayant toujours aimé dessiner depuis son enfance, c’est en s’intéressant à la culture hip-hop que le graffiti devient une évidence pour lui. Attiré par le côté illégal, il inscrit ses premiers tags sur les murs en 1998, le début d’une dizaine d’années d’activisme, principalement sur les murs bordant les routes et les voies ferrées des Hauts-de-France.
Urbain de Paname accueillera des workshops créatifs pour les enfants comme les adultes et proposera des ateliers gratuits : fresque collaborative, sérigraphie ou encore atelier de dessin et graph (avec utilisation du Posca). Des ateliers inédits d’une vingtaine de personnes seront proposés le week-end sans inscription. Plus d’informations sur le site officiel.
Une boutique d’art sera ouverte tout au long de l’exposition. Les visiteurs pourront y acheter des t-shirts et des tote bags à l’effigie d’Urbain de Paname, le catalogue de l’exposition et l’affiche officielle.
Lien officiel : urbaindepaname.com
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Fever est la plateforme leader pour la découverte de divertissement et de loisirs qui permet à des millions de personnes de profiter des meilleures expériences dans leur ville depuis 2014. Sa mission est de démocratiser l’accès à la culture et au divertissement en permettant aux utilisateurs de profiter d’expériences et d’événements locaux uniques à travers sa plateforme : expositions immersives, expériences théâtrales interactives, festivals, ou encore pop-up bars. Grâce à sa technologie et aux données, Fever accompagne également les organisateurs dans la création et l’expansion de leurs expériences dans le monde entier.
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